El niño de las pinturas

La madre y el niño

La Madonna y el Niño o La Virgen y el Niño suele ser el nombre de una obra de arte que muestra a la Virgen María y al Niño Jesús. La palabra Madonna significa «Señora mía» en italiano. Las obras de arte del Niño Jesús y su madre María forman parte de la tradición católica romana en muchas partes del mundo, como Italia, España, Portugal, Francia, Sudamérica y Filipinas. Las pinturas conocidas como iconos son también una importante tradición de la Iglesia Ortodoxa y a menudo muestran a María y al Niño Jesús. Se encuentran sobre todo en Europa del Este, Rusia, Egipto, Oriente Medio y la India.

Las obras de arte que muestran a la Virgen y al Niño pueden ser pinturas o esculturas. Algunos cuadros son muy grandes y muestran a la Virgen en un trono, con santos de pie a su alrededor. Estos cuadros son retablos; están diseñados para ir encima del altar en una iglesia.

La mayoría de los cuadros de la Virgen con el Niño son pequeños. Se han pintado para propietarios privados y, por lo general, se han guardado en las casas. Podían colgarse en la pared, encima de una mesa, donde se colocaban flores y velas para honrar a la Virgen María. La mayoría de las famosas se encuentran ahora en galerías de arte.

Cuadro abstracto de la madre y el niño

La Virgen con el Niño fue pintada por uno de los artistas más influyentes de finales del siglo XIII y principios del XIV, Duccio di Buoninsegna. Esta imagen icónica de la Virgen con el Niño, vista a lo largo de la historia del arte occidental, tiene un valor significativo en cuanto a las innovaciones estilísticas de la temática religiosa que seguiría evolucionando durante siglos[1].

Comparando el tamaño compacto de esta obra de 11X8 1/8 pulgadas con retablos más grandes e ilustres y frescos de gran escala, la Virgen con el Niño se entiende como una imagen íntima y devocional. Algunas evocaciones de este entendimiento provienen de los bordes quemados en la parte inferior del marco original comprometido, causados por velas encendidas que probablemente se habrían colocado justo debajo[2]. Al mirar más allá de la abrupta simplicidad de la imagen, uno puede comenzar a entender los cambios que Duccio estaba aplicando a la representación de figuras religiosas en la pintura durante los primeros años del siglo XIV. Duccio siguió a otros artistas italianos innovadores de la época, como Giotto, que se esforzaron por ir más allá del canon bizantino e italo-bizantino puramente icónico e intentaron crear una conexión más tangible entre el espectador y los objetos del cuadro. Por ejemplo, el parapeto que se encuentra en la parte inferior del cuadro funciona como un reclamo visual para que el espectador mire más allá y se adentre en el momento que se capta entre la Virgen y el Niño. Al mismo tiempo, el parapeto también actúa como barrera entre el mundo vernáculo y el sagrado[2].

Retrato de arnolfini

A Vincent van Gogh le gustaba hacer cuadros de niños. Una vez dijo que es lo único que «me emociona hasta lo más profundo de mi alma, y que me hace sentir el infinito más que cualquier otra cosa». Pintar niños, en particular, representaba el renacimiento y el infinito. A lo largo de su carrera, Van Gogh no pintó muchos cuadros de niños, pero los que realizó fueron especiales para él. Durante los diez años que duró la carrera de Van Gogh como pintor, de 1881 a 1890, su obra cambió y se enriqueció, sobre todo en la forma de utilizar el color y las técnicas de forma simbólica o evocadora.

Sus primeras obras eran de tonos terrosos y apagados. Tras un periodo de transformación en París, Van Gogh se embarcó en sus periodos más prolíficos, que comenzaron en Arles, en el sur de Francia, y continuaron hasta sus últimos días en Auvers-sur-Oise. En esos momentos su obra se volvió más colorida y reflejó más influencias, como el impresionismo y el japonismo. Las influencias del japonismo se entienden en el cuadro de una joven, La Mousmé. Entre otras, se inspiró en la obra de Jean-François Millet, que emuló en Primeros pasos y Velada: El Reloj.

Cuadros de la virgen con el niño

En esta obra, Mary Cassatt abordó el tema por el que es más conocida -mujeres y niños- al tiempo que experimentaba con elementos compositivos del arte japonés. Cassatt vio una gran exposición de grabados japoneses en la École des Beaux-Arts de París en 1890, y produjo una serie de grabados influidos por su estética. El baño del niño es la culminación de su investigación sobre el plano de la imagen y los patrones decorativos. La escena íntima de la vida cotidiana también se hace eco del tema de muchos grabados japoneses. En el cuadro de Cassatt, los brazos que rodean al niño y las suaves caricias de la madre o la enfermera transmiten una sensación general de protección y ternura.

La artista; vendido a Durand-Ruel, París, el 24 de noviembre de 1893 [París 2015]; vendido a Harris Whittemore, Connecticut, el 17 de enero de 1894 [París 2015]; vendido por él de nuevo a Durand-Ruel, Nueva York, el 4 de febrero de 1899 [París 2015]; vendido al Instituto de Arte de Chicago, 1910.

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